齐白石花鸟草虫画的艺术技巧及技巧！！（收藏）

国画作为中国的一种独立的艺术形式，与其他艺术形式有其明显的区别。

中国画有其鲜明的特点。 传统中国画不讲究焦点透视，不强调自然界物体的光色变化，不拘泥于物体外观的相似性。 相反，它强调表达作者的主观品味。 中国画讲究“以形写神”，追求一种“似异之美”的感觉，但西方绘画又如何呢？ 它强调“以形式写形式”。 当然，在创作过程中，也注重“精神”的表达。 但它非常注重全局和概括。 有人说，西画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。 这并非没有道理。

有些人很喜欢齐白石的花鸟草虫画，却总说：“人是我们描绘的主要对象，我们应该学习齐白石的创作方法，但不需要学他的花鸟” 、草和昆虫。” 草虫只不过是小玩意而已。 没有实际意义，不能提倡。 自从齐白石获得国际和平奖后，这种争论逐渐消失。 把绘画当作政治图像或者生活图解的观点现在已经站不住脚了，所以我们可以谈谈中国画的艺术技巧，了解中国画的一些特点，这对刚入门的人可能会有帮助。接触传统民族绘画。

齐白石花鸟画册

从艺术门类来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画门类。 主要是根据描绘对象的不同来划分的。 国画中的动物画、鞍马画、昆虫画、瓜果画、蔬菜画可分别归为这三类。

中国绘画艺术源远流长，源远流长。 她植根于中华文化的沃土，跨越不同的时空，历经不同的阶段，形成了集民族文化素养、思维方式、审美意识、哲学观念于一体的完整艺术体系。 是我们中华民族的国宝和骄傲。 她所体现的艺术美，蕴含着深刻的人生道理和宇宙意义的最高境界。 在长期的历史发展中，中国画形成了独特的艺术语言和审美特征。 当然，五四运动以后，西学东传，中国现代绘画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力求中西结合。 当代中国画不断创新，形式多样。 但一切都变了，中国画的主要特征没有变。 笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一和第二方面尤为典型和重要。

1. 以形式表达神。

“形”是指外在形象，“神”是内在精神。 中国画不满足于“形似”，而是要求“神似”。 早在一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形传神”的原则。 据说，他画人物时，有好几年不碰眼睛。 当人们问他为什么时，他回答说：“四体美丽而美丽，与美丽无关；生动的写照在阿杜身上。” “阿杜”是六朝唐代的常用词，相当于现代汉语的“这个”，这里指的是“眼睛”。 这句话指出，绘画的关键不在于物体的美丑，而在于表达人物内心世界或精神意境的“画龙点睛”，使之能够“感而能达，遇景生心，体现物”。 顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形传神、注重神神传神的基本框架。

2、运用线条造型和精致的笔墨

线条是中国画的主要表现手法之一，是中国画的基础。 早在两千多年前的战国时期，就出现了丝织物上的绘画——帛画。 如湖南长沙楚墓出土的《文字龙凤》、《文字御龙》帛画，是迄今为止发现的最早的单幅绘画。 这两幅帛画以引领灵魂升天为主题，以毛笔在帛料上绘制而成。 在此之前已有原始岩画和彩陶画。 这些早期绘画为后世中国画以线条为主要造型手段奠定了基础。

在解剖知识方面，中国画书和画论对人体结构分析精辟，并附有简单的公式，非常容易记忆。 有“远山无坡，远树无枝，远人无眼”等提醒远近的方法。 花鸟画十分注重花木的生长规律和动物的解剖结构。 把互生的叶子画成对立的，或者把鸟的爪子画成第二个脚趾在前面，或者第三个脚趾在前面，这都是一个笑话。 但我们欣赏花鸟画关注的是花鸟的表情和姿态，而不是那些解剖和透视。 这并不是为了为一些画得实在不好的中国画辩护，而是为了澄清两者之间的关系，以免提出那么多理由。

七白石虾

为了做到“形神兼备”，中国画家在观察生活、练习技法时都极其刻苦、认真。 五代山水画家景浩自言“唯有写松万本，方能得真”。 齐白石从小就画草虫，到了七十、八十岁的时候还在改变画法。 有一篇《虾米》的标题是《白石衰年变法》，确实在形式和精神上都变得更加现实了。 画家对每一种造型都有如此高的要求，而一生的精力又是有限的，所以中国画家有专攻一门技艺的传统。 有的擅长花鸟，有的擅长山水，有的擅长人物，有的擅长几种花鸟，有的则只擅长一种。 例如：韩干的“马”，戴嵩的“牛”，易元吉的“猿”。 专一是对这门学科有更深的造诣，而不是只学一门。 如果他只会画马，那么他画马一定不是很好。 中国画按照不同题材的划分由来已久。 大家各尽其长，专攻某一领域，形成了中国画在题材和内容上的繁荣。 又由于每个人的表现手法不同，因而创造出多种风格，成为中国画百家之争。 比如齐白石的写意水墨画和于非安的重彩工笔画，都是花鸟画。 他们的风格截然不同，但各有各的智慧。 三个月，吴道子画一日，亦获赏识。 明代，邱世洲、陈老莲均以人物画闻名。 他们都画了《西厢记》的插图。 爱。

3、用虚拟带来现实，虚拟与现实相辅相成。

中国画美学体系的形成和发展，与中国哲学密切相关和主导，其中的“虚实”、“疏密”、“白如黑”、“天人合一”等思想。自然”都有强烈的影响。 道教色彩。 老子说：“世间万物，生于有，有生于无”。 “存在”是指宇宙的实体，在中国画中是真实的地方，是有笔墨的地方； “虚”与“实”是一对既对立又统一的矛盾体。 没有空性，就没有实相；没有实相，就没有空性。 清初画家达中光在《画筌》中说：“空难画，实景清而空景有。无物可画，实景被迫， “……虚实并存，没有绘画的地方，一切都是美妙的环境。” 中国画必须有实有虚。 画中的虚与实相辅相成、相互依存。 欲使空处空灵，只求空处，无异于树上求鱼。 老子说：“知其白，守其黑”。 就是说，要牢记虚空，就要在作品中求真，着眼于留白的“空”，必须立足于笔墨的“实”。 既要以白为黑，又要知白守黑，这是中国古典哲学和传统绘画理论中虚实结合的辩证原理。

中国画造型的支柱是“线”。 通过线条的强、直、长、粗、浓淡、虚实、转折的变化，表现物体的形状、质感、气势的复杂关系，形成完整的形态。 人物画有所谓“十八笔”。 ，是历代画家创造的线型，如“游丝”，如“铁丝”，如“兰叶”，如“蚯蚓”等等。 这仅指可以与真品进行比较的部分。 线型的变化超过十八笔？ 有人说，文艺复兴之前的欧洲绘画也用线条来表达物体和图像。 他们认为线条不应该被视为中国造型的特色，而是一种落后的方式。 持这种观点的人认为欧洲绘画在文艺复兴之后早已放弃了线条，他们认为线条已经过时、落后了。 从这个逻辑出发，那么木刻印刷所产生的木刻艺术在这个照相印刷时代就应该被淘汰，但木刻艺术却在按照自己的道路发展着。

4. 以大局观小事，以分散的视角

西画采用焦点透视法，简单来说就是近的大远的小，远的消失在一点上。 而中国画则采用散点透视法。 画家的观察点不是固定在一处，也不受视野的限制，而是根据需要移动立足点进行观察，从不同的立足点看到的事物可以组织成自己的画面。 透视法也称为“移动视点”。

一种艺术的发展除了时代因素外，还与它的特殊表现以及产生这种艺术的民族的特点密切相关。 如果去掉这两个因素，那么绘画就只能是一种，也就没有油画和国画、漫画和木刻之分了。

“线”作为中国绘画的基本语言，在历代画家的创作中得到了高度发展。 “线”早已脱离了最初只表达图像轮廓的状态。 一个完整、生动的形象必须是“形、质、动”的有机联系。 因此，“线”的作用除了表达准确的结构外，还在于充分表达物体的质感和气势。 严格来说，中国画的每一行都应同时表现出“形、质、动”三种感觉的综合效果，如果没有很高的艺术功底，这是不容易做到的。 唐代大画家吴道子所创作的人物，被誉为“风中吴带”。 据说吴画人物的衣服有被风掀起的感觉，也有人说吴画的山水画“奔走自如，如风雨。突然到来，工作在雷雨之交”可以想象，吴道子所画的线条，确实达到了千变万化、气势磅礴的境界。

除“线”法外，还有“裂”、“擦”、“点”、“染”等笔法。 在山水画中，由于山势、石形、土质的变化，画家创造了“披麻”、“乱柴”、“鬼面”、“斧劈”等“裂”法。 “抹”、“点”是画块状墨色或设色时的一种笔法。 “染色”法是使用湿墨或染色的方法。 人物画的“开面”、花鸟画的设色、山水画的阴阳划分，都需要运用染色的方法来丰富物体的体积感和色彩感。

郭熙早春图片

中国画的造型手法讲究笔墨的运用，笔墨技法是相通的。 在用笔的变化中，即在运用线、皴、拓、点、染等笔法技法时，必须使用墨色。 只有正确的改变，才能充分表达形象。 笔墨的关系，从某种意义上来说，就像血肉的关系。 有笔而无墨，则显得瘦弱；有笔而无墨，则显得瘦弱；

一般山水画以墨为骨干，很少用浓墨色。 水墨画纯粹是通过墨色的变化来表现色彩。 在花鸟画中，在写意画特别发达的现代，画家也喜欢单独用墨来表现。 即使他们使用颜色，他们也认为在整个文本中使用颜色就等于无色，只有在必要的地方染上需要的颜色才能显示颜色。 影响。 齐白石的牡丹，枝叶用墨，花头用彩，淡化了绿叶的色彩，使红色的花朵显得格外鲜艳。

云南天春风图片

5、诗书画篆、综合艺术

诗、书、画、印相结合，是中国画独特的艺术形式。 它集多种艺术于一体，相互辉映，大大增加了中国画在艺术性上的广度和深度，使中国画成为一门综合艺术。 没有什么。

但也有以色彩为骨干的作品，如唐代李思训的金绿山水，清代云南田（恽寿平）的“无骨”花卉，几乎没有墨水痕迹。 第二届全国美展的一些花鸟画，如王格珍的《花瓶》、田世光的《牡丹》等，在色彩效果上可以说发挥了前所未有的作用。 为了表现祖国的自然美景，山水画家刻意强调色彩的感觉，出现了许多以色彩为主题材的作品，如吴敬亭的《略阳山城》、何天健的《七里龙秋色》等。 这些作品反映了时代情怀，同时也说明了中国绘画表现形式的多样性。

何天健七里龙秋色（拍品）

色彩的浓淡主要是个人风格的表达。 牡丹可画得绚丽夺目，也可画成墨色，淡雅宜人。 如果您不喜欢浓墨或淡墨，那是您个人的喜好。 你不能把浓墨贬为“媚俗”，把淡淡贬为“扭曲”。 广大群众的要求。

中国画的长短和风格变化较多，最常见的大的有“竖卷”和“横披”，小的有“册页”和“手卷”。 此外，还有“铜镜”、“屏条”、“镜心”、“扇面”等款式。 古代的大型作品不仅画在寺庙、宫殿的墙壁上，也画在活动屏风上。 中国画师不仅可以在指定的页面中管理指定的主题，还可以在不同的页面中安排相同的主题。 中国画家在“管理立场”，即构图方面，适应性很强。

费心我刺绣画卷（拍品）

中国画的构图方法在“透视”物理的运用上具有很大的灵活性。 如果仅限于固定视野的摄影对焦透视法，就无法表现山水画中的平距、深距、高距等不同的距离方法。 因为人的身高只有一米多一点，而且视线高度很低，只要前方有东西挡住，无论什么视角，都无法看清。 然而，美丽的风景往往是“山水无疑，柳暗花明又一村”。 只有走走停停，或者站在高处观看，才能领略它的美丽。 因此，中国画家创造了移动透视（或散点透视）和“以大观小”（或鸟瞰）的构图来处理这种题材。 画中的人物是以艺术技巧完美地表现现实风景的。 如果不能突破照相处理，就不会令人满意。

敦煌经编壁画的构图与一般长卷的构图，巧妙地将不同空间、不同时间的事物组织在统一的画面中，满足了人们在视觉欲望上“求完美”的要求。 这是一个了不起的创造。 第二届全国国画展有两幅作品：一幅是李雄才的《武汉防洪图》，描绘了1954年武汉人民抗击长江的伟大场面，犹如一部惊心动魄的史诗故事；一幅是李雄才的《武汉防洪图》，描绘了1954年武汉人民抗击长江的伟大场面，犹如一部惊心动魄的史诗故事；一幅是李雄才的《武汉防洪图》。 另一首是费新我的《绣图》，描写了苏州妇女绣花厂的情况，却像一首清脆悦耳的民歌。 传统作曲技巧的运用是这两部引人入胜的作品成功的重要因素之一。

南宋马远汉河独钓

留白的运用是中国画艺术技巧的又一特点。 我们知道，画家的“操作位置”主要是根据题材的要求来确定物体与图像的主从、呼应、远近、对比等关系。 但表达这些关系的关键在于构图上繁与简的结合、虚与实的结合、黑白的对比。 留白的运用就是调整这些关系，以达到画面中的节奏、变化和装饰。 留白如果运用得当，可以让观众发挥他们的想象力。 马远的《寒江独钓》只在空白处画了一条小船和一个渔夫。 虽然画面上没有明显的水纹，但我们的眼前却仿佛有一条浩瀚的河流，给人一种冰冷、纸满的感觉。 这就是所谓的“意外”效果。 花鸟画中的留白，使色彩显得格外鲜明，形象显得格外突出。 一朵白云笼罩在山脚下，凸显了山脚下的树梢，也显露出了前后的层次感。 构图中留白的巧妙运用是中国画家的杰出成就。

以上从造型、笔法、构图等几个方面简要介绍了中国画的表现手法。 是个人创作实践的粗浅认识，为欣赏中国画提供参考。

整理编辑_夕月木华

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