故宫中国画有三个很明显的特点

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清代 朱大阳 柳浴鸟纸本卷轴 119x58.4 北京故宫

中国画具有三个明显的特征。 首先是文人。 中国传统艺术形式中，有原始艺术和民间艺术，但主流是文人介入后形成的笔墨文化形式，也就是我们今天所说的中国画。 陈师曾把这部分写意笔墨画称为文人画。 在文人画出现之前，大概是在宋代之前，中国画就非常注重形状和客观物体的出现。 例如，到了唐代，人物画已经相当成熟。 尤其是对“教化助人”社会功能的重视，使得这一时期的人物画特别注重形式的塑造。 当然，“形神兼备”是最高标准。 但宋代以后，随着文人的介入，特别是山水画、花鸟画的繁荣，中国画日益走上另一条道路，评价标准中“形式”问题被低估。 这就是苏东坡所说的“作画以形为本，见小儿必以此诗作诗，必不识诗人”。 如果这幅画太相似，就不会被认为是最好的。 如果画得太像了，以后有工艺的话，会考虑的。 想想俗气。 画评中有一个“俗”字。 古人认为，俗有甜俗和恶俗之分。 从中国画理论来看，一味迎合他人就是庸俗。 天速的意思是试图吸引别人的心。 它俗，就是露出牙齿、张牙舞爪来吓唬人，看完之后场面紧张、恐怖。 也就是说，画面充满了火气、急躁、霸气、做作。 元代以后，“庸俗”是对画家最大的诟病。 粗俗的反义词是“雅”字。 所谓风雅，在古代是谈不上的。 说太多就显得不文雅了。 古代绘画尤其是文人画的一大特点就是远离功利、贴近自然，这一点现在很多人都难以理解。 评价中国画有四个标准：神奇、典雅。 宋代黄秀夫把“逃”纹放在首位，认为这个“逃”最为重要。 一阁是一个高境界，是离社会功利、世俗烟火最远的境界。 这里有一个问题，是否背离了20世纪的时代精神？ 远离功利主义还能为人民服务、为社会主义服务吗？ 这也是“四人帮”时代文人画受到诟病的原因之一。 文学艺术确实具有“教书育人、助人提高道德”的社会功能，但这还不是全部。 还能增长智慧、修德、陶冶情操、陶冶情操。 还可以滋养心智，滋养能量，强身健体，甚至提升精神境界。 消极地说，当人处于痛苦之中时，它能“将生命的痛苦之水过滤成无比清澈的——流出的是一池清水。没有愤怒，没有浑浊，只有洗涤般的清绿，潺潺流淌，流淌着，太酷了，这是一幅文人画。” （蒋成庆语）一时听不懂没关系，放到博物馆里供后人欣赏，也是为人民服务，以前没多少人能看懂徐渭和八大山人，但是现在他们是大家公认的了。在我看来，他们的作品也可以为人民服务。不要理解很狭隘的为人民服务。真正为人民服务的一定是历史悠久的。当然，这并不意味着看不懂的画就是好画。

诗意是中国画的一个重要准则，也是中国画的第二个特点。 在讨论诗性之前，有必要重申一下文人性的特征。 纵观中国绘画史，历代大师都是知识分子，包括王冕这样的牧牛人，也都力求先成为文人，再成为大家。 齐白石出身贫寒，当过木匠，自学绘画。 27岁，先师胡沁源，后师王开云，习诗文、书法、篆刻。 进京后，他与小他14岁的陈师曾建立了亦师亦友的关系。 这一切使齐白石成为文人画大师。 齐白石总结自己的一生，镌刻了这样的篇章：“趁有呼吸的时候读书。” 黄宾虹、徐悲鸿、李可染、傅抱石、潘天寿……哪一个不是文人？

清代 恽寿平 双清纸本卷轴 88.5x54 北京故宫

唐宋以后，中国画以文风来评判，书卷气被视为基本要求。 并不是说文人画不好国画，是因为他们无法理解笔墨的精神内涵。 成为一个没有文化的中国画家是20世纪才发生的事情。 为什么？ 美丽标准已经改变。 宋代以来，诗画并重的观点已成为主流。 苏东坡称王维：“诗中有画，画中有诗。” 诗歌不是直白的，而是用比喻的手法来表达自己的志向、创造境界，需要丰富的文化积淀。 就像清代以来王鹏云、朱孝臧、陈寅恪的诗，没有知识积累，如何能读懂呢？ 诗与画的密切关系，历代画论都有论述。 元代以来几乎所有伟大的画家都会写诗，有的甚至是优秀的诗人，如倪云林、八大山人、唐寅、文征明、徐渭、恽南田、郑板桥、吴昌硕等。 画贵诗意，自宋以来已成风气。 宋徽宗任画院院长时，考试题目都是诗。 即使画中没有诗，画面也必须有诗的内涵，做到“画中有诗”。 梅兰竹菊不再只是梅兰竹菊了。 君子以己比己，这是一个寓意深刻的比喻。 郭熙《临泉高志》中说：“春山静如笑，夏山翠绿如滴，秋山明洁如妆，冬山萧瑟如眠”。 这是诗意的要求，不是为了写山而写山，而是为了描绘山的内心感受。 看看新安画派的画家，无不能做到这一点。 他们都在画黄山，但每个人画的都不一样。 剑江、梅清、查士标、戴本孝等人画黄山的方式各有不同，但又各有诗意。 今天的画家很难做到这一点，只能在形式的准确性上下功夫。 为什么？ 古代画家通过诗人的眼睛来观察黄山。 “诗画同，工巧而清新”，苏轼在《宝惠堂记》中说：“君子可以暗示事物，而不是留意事物。留意事物，即使是小事也足以引起疾病。” ”, “寓意于物“物”是一种超越物质占有的审美心灵，否则就是一种病。挣脱“形式”的束缚，用意象寻找诗意的境界，是人类精神的解放中国画善于表现风中的竹子、水中的游鱼、天上的大雁；西方人喜欢把水果蔬菜画在盘子里，把血淋淋的猎物画在墙上。中国画画的是生物，生物有生命力和诗意。黄钰说李公麟“淡墨写无声诗”，郭熙在《临泉高志》中说“诗是无形的画，画是有形的诗。” ” 到了现代，绘画与诗歌逐渐疏远了。 这不仅是技术的欠缺，更是品味的转变。 八大山人是一位诗人。 他的情感不仅表现在有笔墨的地方，也表现在安放思想的“空”、“白”的地方。 如果你不懂诗，你怎么能理解它的意义呢？

李苦禅的作品

中国画的第三个也是最独特的特点是笔法的性质，这与西方绘画也有很大不同。 西方绘画包括色彩、形状、明暗、解剖、结构、透视等。 中国画不画这些东西。 20世纪的中国画向西方绘画靠拢，用我们的画笔来画结构、比例、透视等等。 西方人认为你没有超越油画，从这些要素来看，你确实没有超越油画。 一切“大题材”都可以用油画来描绘。 当然，我们利用中国画的大题材做了一些我们的祖先很少做的事情。 这也是20世纪画家的骄傲。 然而，中国画最擅长的不是对生活的描绘和再现，而是抽象的写意，或者注重意象或心理意象，而对具体的描写不太感兴趣。

师涛的花卉专辑之一

中国画的笔墨性质有两个特点：一是书写，即“写”。 西画也画线条，而且可以画得非常准确、流畅，但这不是中国画的“线”。 中国画的线条有起伏，有流畅，有缓慢，完全是情感的记录。 这和书法是一样的。 是写出来的，出自书法，所以赵孟俯说书法与绘画同源。 中国古代的画家基本上都是书法家，尤其是伟大的画家。 宋代以后，大家都是书法家，如米芾、苏轼、赵孟俯、倪云林、董其昌、沈周、文征明、徐渭、陈淳、唐寅、王铎、吴昌硕等……都是伟大的书法家。 然而20世纪的画家开始疏远书法，用西方硬毛笔、油画笔之类的画笔，对书法没有任何兴趣。 这比脱离诗歌的绘画更可怕。 中国画与西方绘画的距离越来越近，但表现力却差了很多。 中国画如果没有书写的乐趣和写意的精神，其实是捉襟见肘的。

中国书法是有生命的，笔法重骨法。 什么是接骨法？ 南齐谢何说“骨法用笔”，唐代张彦远解释为“生死不过骨”，有个性要求。 明代文征明说：“品德不高，墨画不出来”。 毛笔往往表现为具有高生命力的线条，其文化内涵远非西方绘画的线条可比。 苍劲有力，浓郁润泽在一起，堪称笔墨的最高境界。 苍往往能表现出一个人的骨气和品格； 湿润体现了画家的感情和生活情趣。 中国画用笔有禁忌。 笔在纸上时，切忌尖、滑、流、浮。 人能是尖的、滑的、流的、飘的吗？ 当然不是。 相反，避免使用木板、避免打结、避免雕刻。 当然，木板、木节、雕刻的都不好。 我们带着一种模糊的感觉看画，这些判断应该不难。 人若轻浮，就会轻浮画笔；人轻浮，就会轻浮画笔。 人若嚣张，刷子也会张扬。 所谓画如人。 南齐协和提出的“六原则”成为评价和创作中国书画的最高标准。 “六法”第一是形象生动，第二是用笔配合骨法。 用笔时需要讲骨法和力度。 应该沉稳厚重，应该有金石之味。 黄宾虹对金石之味有很​​多论述。 好的线条就像折叠的发夹线、房屋漏痕、锥体抽沙。 黄氏概括为平、圆、流、重、变，这是用笔的要求。 李可染先生说，中国历史上，画得好的画家并不多。 他还表示，近三百年来，说到笔墨，黄宾虹做出了最大的贡献，再过三百年，他的地位将会更高。 今天再看这句话，我们在敬佩黄宾虹的同时，也深深敬佩可染先生。 这就是大师的独到见解。

元武镇嵩泉图，南京博物馆，纸本水墨，105.3x31.7cm 厘米

伟大的艺术家往往走在时代的前面。 一个深受社会追捧的艺术家，很可能在漫长的历史长河中一文不值。 比如元代四大画家之一的吴镇，生前的名气远不如二流画家盛茂。 盛茂门前人头攒动，而吴镇门却冷冷清清。 三十年后，吴镇的画很受欢迎，他的名气远远超过了盛茂。 八大山人、徐渭以及几位“扬州八怪”都经历过这样的命运。 黄宾虹说，他的画将在50年后被评判。 如今，时代已经充分肯定了他。 林散之在世的时候，很多人对他并不熟悉。 现在他的影响力越来越大，被称为“草圣”。 艺术达到最高境界是孤独的，规律是意气风发、悠扬。 没有多少人能够一开始就欣赏优秀的东西，所以你需要慢慢来。 雅俗共赏是很难的。 齐白石做到了，黄宾虹没有； 任伯年做到了，吴昌硕也没有做到。 时至今日，徐渭和八大山人的画无论雅俗之人都难以欣赏，但徐渭的《四声猿》却得到了认可和肯定。 他的水墨葡萄画能读懂的人不多，他的书法《青天之歌》能被人接受的人也少之又少，但这些往往是中国书画史上的闪光点。

齐白石的作品

笔墨的第二个特点是公式。 程序性在20世纪最受批评。 什么是程序性的？ 例如，京剧中的人物分为生旦、净、丑； 京剧表演包括唱、念、打； 伴奏主要有京胡、月琴、古板三大。 可以有所不同吗？ 是的。 《大红灯笼的故事》的钢琴伴奏不需要三首大曲，听起来还是很棒的。 但很难长期传播。 它只能引起轰动。 如今，你已经听不到有钢琴伴奏的京剧了。 尝试用钢琴伴奏《四郎探母》和《拾玉镯》吗？ 肯定不行，因为这违反了京剧的程序规则。 成熟的艺术风格往往是风格化的。 中国画也有公式。 画水、画石、画树都有一定的规则。 山水、花鸟、人物也用笔规。 写字有学习程序，从雍子八法开始，从表情开始，或者是仙林的《兰亭序》。 王羲之的老师韦夫人讲皮、肉、骨、筋、脉，其实就是她的教学口诀，让学生深入理解汉字。

傅抱石的作品

20世纪，多讲创新，少讲继承。 创新是时代潮流。 没有创新，社会如何发展？ 科学必须创新。 五四运动的精神是科学、民主。 没有五四精神，就没有今天的中国。 但是，在批评中国文化的渣滓时，我们必须非常冷静地分析。 贬低中国画，必然会带来负面结果。 中国文化传统出现断裂。 当我们批判旧观念时，我们就完全否定了传统伦理。 我们必须为此付出惨重的代价。 信任的缺失，甚至欺骗的盛行，都是由于传统道德的缺失造成的。 对中国画的批评也是如此。 20世纪以来，用“新”作为价值判断，认为一切新的都是好的，这是非常危险的。 “新”只是一个时间概念，而“美”则是永恒的东西，是艺术的本质。 只有“求新”就会降低艺术的品质，而“刻意求新”就是一个问题。 中国画讲究自然，不能刻意。 一“雕”就会失去自由和新鲜感，一“雕”就会远离“平淡与纯真”。 因此，在我看来，中国画领域“雕”的求新是一个问题。 大多数人都知道石涛的“笔墨当与时俱进”和他强烈的个人号召力，却不知他晚年的主张——“画者不可古板，病在于此”。当他们举起画笔时，他们只想耍花招。” 在此，他指出了“模式”的危害。 笔墨作为一种技法，有其自身的规则，我们可以称之为“公式”。 亚明先生说“有规矩，无定法”，就是尊重公式的规则，融会各派之长为师，即尊重传承规律，能做者做事。他们想要的东西，往往会获得巨大的成功。 常规并不是死板的，它是一代又一代积累下来的，成为宝贵的经验。 中国画绝不反对创新，但这个“创新”必须是尊重笔墨规律的创新，不能失去写意精神、书写本质以及套路中的许多珍贵元素。 品味与理性并重，自由意志与程序规则相结合。 中国古代的每一位大师都有新的想法，但都必须遵循笔墨的规则。 他们在尊重笔墨规则的基础上，表达自己独特的感受，这就是中国画的“新”。 按照中国画理论，生命境界不高，但表现力才是中国画的要求。 形式是手段，神是目的。 有时为了这位神，就必须在造型上做出选择，甚至刻意回避“形象”。 齐白石说：“太相似就是媚俗，不相似就是欺世盗名，绘画之美就在相似与相似之间。” 黄宾虹强调了前面的观点：相似就是相似。 画人物，神韵是最重要的；画人物，神韵是最重要的。 画花鸟，神是最重要的；画花鸟，神是最重要的。 画山水，就必须画山水境界，以达到“独通天地之灵”的目的。 做到这一点并不容易。

石鲁一山

20世纪的风景画中，拖拉机、水库、高压线都被加入到画面中。 这是生命的机械复制，不是山河的本质； 这是对生命表面的理解，而不是对自然精神的致敬。 它确实表达了人们的主观意志，但它与中国山水画的清晰、空灵、安静、深沉的初衷相去甚远。 古人画山水为何讲究“意”字？ 这是因为社会浮躁，画家渴望逃离这种浮躁，寻求一种清凉与宁静。 我们看宋代的山水画，安静，不喧闹。 我们需要冷静地观察他们。 只有这样，我们才能体会到他们的永恒。 在复杂、忙碌、甚至充满冲突的现实生活中，我们的祖先并不想让艺术“火上浇油”、呐喊，而是渴望和平与安宁。 董其昌是明代礼部尚书、太傅，为二品官。 他身处政治漩涡，忧心忡忡的事情很多，但他的画却很安详、安静、安静、淡然。 为什么是这样？ 这是内心的渴望，是冷静的渴望。 这就是中国古代山水画的作用。 你认为这是进步还是落后？ 我们把今天看到的水库、高压线、拖拉机、汽车等画成山水画。 在我看来，至少不环保。 山水画的作用是什么？ 这是关系到中国画观念的一个重要问题。 清代画家王羽在《东庄画论》中论述：“学画，是修性情，能洗去烦恼，打破孤独，排解烦躁，迎得平静。过去有云：山水画家寿命长，烟云缭绕，眼前无非是生机勃勃，自古以来，多半家庭都享受大画，故有好画。” 将绘画视为娱乐灵魂的一种方式。 后来，王羽的《东伟》在《元素居画学勾神》中说：“我家贫，处境困难，但能以腕韵为满足，你可内心快乐，而你可以在外在修养自己，这不是外在的环境可以夺走的。” 养生是笔墨文化的一大属性。 很多古代画论都讲，与山水和谐相处，才能长寿，所以中国古代长寿的人很多，比如活到89岁的黄公望、活到89岁的文征明等。活到91岁，而忙碌的董其昌都活到82岁，八大山人活到80岁，还有很多80岁以上的风景。 然而，短命的画家常常在作品中留下问题。 中国画是一门发展较晚的艺术。 如果一个中国画家真的是一个天才，他年纪越大，画得越好。 但这个规则并不能证实西方绘画，两者是不同的。 要真正做到“顺”，必须修身养性。 和很多文革时期的画一样，刀剑一触即发，眉宇冰冷，性格十分外向。 追求张力和视觉冲击力，我称之为“外来艺术精神”。 在我看来，中国画是“温饱”之后的精神追求。 只有抛弃功利主义，才能有好笔墨。 它属于精神范畴。 除非你水平很高，否则你可以在贫穷、饥荒的条件下画画。 历史上一些高僧就曾这样做过。 齐白石也这样做过。 国画可以养神、养神、养生长寿、改善心境。 中国画对于提高社会精神品质具有重要作用。

齐白石的作品